¡Hiperrealismo!. Juan Antonio Presas

Hoy estoy muy satisfecho por el hallazgo. Esta mañana repasando la prensa con el iPad he encontrado una página en la sección Multimedia de El Confidencial que me ha gustado mucho. Se trata de un artículo dedicado a un pintor, escultor, que yo no conocía, y que lleva por título Juán Antonio Presas ¿Pintura o fotografia?. 

Juan Antonio es un pintor hiperrealista (super hiperrealista), de excepcional calidad. Se sabe que nació en Barcelona el 10 de julio de 1963, es doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y actualmente imparte docencia en la titulación de Bellas Artes del Centro de  Enseñanza Superior Felipe II de Aranjuez, de la Universisad Complutense. En el Campus es toda una eminencia. Basta decir que el Rector Gustavo Villapalos se interesó por los finos trazos del artista catalán y le encargó un retrato que plasmó con especial acierto. Siendo muy  joven fue uno de los pintores habituales de la Galeria Heller. luego en el transcurso de su carrera ha recibido varios premios y becas patrocinadas por importantes entidades culturales y empresariales. Ultimamente ha expuesto individualmente en la Galeria Arte XXI.

Desgraciadamente no hay mas información de Juan Antonio Presas en Internet. Ni una sola fototografía de él. ¡Es lamentable!. Hemos de agradecer a El Confidencial que nos lo haya dado a conocer y a una parte de su obra en su magnífico reportaje. Pero hace falta que aparezca en la red. Sería muy bueno que alguien que tenga la información la introdujera en Wikipedia. Creo que el Ministerio de Educación y Cultura se debía ocupar de estos asuntos

Antes de mostrar una pequeña selección de sus obras, algunas sin terminar, publico los pocos comentarios que he podido encontrar, escritos por Javier Pastor, que definen maravillosamente el caracter de sus trabajos.

La mirada, momentáneamente transtornada por un espejismo de realidad, recorre la superficie del cuadro tratando de establecer las relaciones, entre unos habitantes que alientan por su cuenta, cada uno ignorante del vecino, aproximandose al poco para confirmar el estupor inicial, la singularidad, no repetida, de cualquiera de ellos: aunque, junto al así seleccionado yazga otro de la misma especie, es distinto. Dos botones gemelos, mostrarán una individualidad irreductible.

Ese carácter único, aun en la identidad remite a una intención. Como en las viejas alegorías renacentistas, ninguno de los elementos, es gratuito: todos significan. El cuadro propondría una historia, oculta tras una clave para iniciados.
 

Pero no; es una impresión falsa. La mariposa no es una metáfora, ni está ahí para congelar el instante; Simplemente, su contorno conviene al horizonte de la composición. Las superficies bruñidas, ásperas, traslúcidas, los objetos, que abigarran ese desván soñado han sido pintados por amor a su existencia, y a su personal forma, de absorber o devolver la luz, merced a una aprehensión por momentos, mística de su singularidad.
 

Rostros, manos, animales; un esqueleto, un diario rasgado, las hilachas de un cordel: universo vivo y universo inanimado han sido contemplados hasta extenuarlos. Ningún énfasis privilegia a uno sobre otro. Estamos ante un mismo nivel de representación para el que ningún motivo es desdeñable.
 

Representación servida por una técnica prodigiosa, que no busca ser más que el vehículo para que una colilla aplastada reviva con una dignidad nueva. Doblado sobre sí mismo, el hiperobjeto así destilado quiere brillar con idéntico ímpetu que el rostro amado del retrato: quiere perdurar, contener, de veras en si. la eternidad que promete.

He seleccionado algunas obras para que se pueda apreciar su calidad, que para mi, es comparable a la de mi paisano Antonio López.

Quod libet (1988).

Un soporte, colores, pinceles finos y mucha, mucha paciencia. Estos son los compañeros inseparables del artista catalán Juan Antonio Presas, en la creación de sus obras. Sus cuadros hiperrealistas consiguen envolver a todos los que los contemplan. El detalle que tienen las texturas de sus obras, te atrapa hasta el punto de que casi las puedas 'tocar'.

Precisamente ese es el reto del artista, conseguir que el espectador pueda sentir la delicada textura del terciopelo, la aspereza de la madera o la suavidad del pelo de un animal: “Planteo cada textura como un problema distinto. Algunas son sencillas de elaborar y otras te exigen realizarlas con mucha precisión. Hay veces que hay que llevar a cabo correcciones casi de micras para conseguir dar el efecto deseado”, comenta a 'El Confidencial'.

Tal es la minuciosidad de sus trazos que el tiempo que emplea en acabar una obra puede convertirse en años. Para elaborar este cuadro, 'Quod libet', dedicó más de dos años, del cual la cuarta parte estuvo destinada al vestido que luce la modelo. Su parte favorita de la obra es el brillo y el reflejo de los ojos.

Retrato de Villapalos (1989).

El encaje de los puños solo es una muestra de la complejidad de sus creaciones que requieren correcciones casi de micras: "Tardé mes y medio en elaborar la manga ya que por un lado tuve que hacer el detalle del dibujo y por otro la simulación del hilo blanco y las sombras. La pintura propone retos, pero también da alegrías". La suavidad de la toga roja se puede palpar a través del cuadro

Im abendrot (1993).

Las obras de Juan Antonio Presas reproducen la realidad minuciosamente, estudiando cada uno de los detalles de los objetos a representar y con una fidelidad y objetividad mayor que la fotografía. En este cuadro, el artista empleó más de un año en elaborarlo.

"Hay cosas que me entretienen y me hacen sufrir. Cada cosa tiene un modo de hacer distinto. Una regla que uso para cada obra que realizo es intentar buscar una variedad de texturas. Que no se repitan y eso hacer que cada parte del cuadro tenga un modo diferente de hacer”.

Al borde del estanque (1996).

Uno de los problemas a los que tiene que hacer frente Presas en sus obras es conseguir ‘engañar’ al ojo humano. El hombre tiene una vista binocular y eso hace que vea en tres dimensiones, pero a su vez enfoca tan solo una parte de lo que ve. Eso permite que tengamos mucho conocimiento de la realidad, pero a su vez nos hace muy exigentes porque detectamos rápidamente cuando algo no se ajusta a lo que conocemos: “Trasladar esta percepción a la pintura es muy complejo ya que el más mínimo detalle puede hacer que el ojo detecte que eso que vemos no es verosímil. Finalmente tienes que visualizar todos los elementos del cuadro de forma paralela para conseguir darles volumen”.

En  el cuadro Al borde del Estanque el artista crea una variedad de texturas muy diferentes entre sí: maderas, piedras, hierros, hojas, telas,... y hasta papel. Precisamente éste ha sido uno de los aspectos más complejos a la hora de elaborar este cuadro, ya que las letras que se pueden ver, aunque parezca mentira, están pintadas: "Dibujé una poesía de Quevedo. Lo más complejo de este aspecto es la limpieza de la tipografía, ya que el espectador espera la misma 'A' que podría leer en un libro o un ordenador y eso es muy complicado de conseguir".

Tanto este cuadro como Estudio de desnudo formaban inicialmente una unidad, hasta que una serie de circunstancias detuvieron el proyecto. Con ello, por un lado la idea fue retomada en un nuevo soporte (dando lugar al cuadro todavía inconcluso Alles nahe wërde fern), y, por otro, el soporte inicial se escindió en dos cuadros. Éste, que aprovecha el lado izquierdo de la tabla originaria, persigue la búsqueda de la variedad de texturas presidida por un pathos romántico.

Naturaleza muerta (1998).

Se trata de un cuadro que, pese a su pequeño tamaño, presenta varios centros de atención y, con ellos, varios posibles cuadros, unificados por un interés compositivo y de color comunes.

Alles nahe wërde fern (inconclusa)

Este cuadro es uno de los más grandes de su trayectoria artística y uno de los más elaborados. La representación del suelo de pizarra se convirtió en una ardua tarea. Para ello, recopiló más de 60 tipos diferentes de este material y para dar esa textura tuvo que hacer uso de un aerógrafo. Sumando varias semanas de ensayo y error, consiguió que la pizarra pareciese sacada de una fotografía.

La textura del suelo contrasta con la delicadeza de la piel de la modelo. Las manos y los pies están muy trabajados y para lograr ese nivel de realismo utilizó acrílicos. La tela azul está hecha punto por punto y el artista cuidó cada uno de los matices de la luz y las sombras.

Pese a que el cuadro parece terminado, todavía faltan muchos detalles por pulir. A modo de ejemplo, las plumas que aparecen en la mitad de la obra están compuestas por cientos de rayas minúsculas separadas entre sí por espacios casi imperceptibles.

El esquema del conjunto de este cuadro inconcluso aparece dibujado en el cuaderno sobre el que reposa su cabeza, como si hubiera soñado con él, la protagonista ahogada de El borde del estanque del suelo.

Melencholia nova (inconclusa)

Debido a la minuciosidad de sus obras, trabajar con modelos puede convertirse en algo tremendamente complicado: "El nivel de detalle que tienen mis cuadros hacen que las modelos tengan que pasar muchos días conmigo y al final se cansan. En 'Melencholia' tuve la suerte de contar con una amiga de unos amigos que posó armándose de paciencia". (Los comentarios a los cuadros son los que les acompañan en el resportaje de El Confidencial)

Este tipo de artistas excepcionales debian ser dados a conocer al gran público organizando exposiciones temporales en el Museo del Prado para que no pase lo de siempre, que sean los foráneos los que nos digan lo bueno que es un artista español para que empecemos a valorarlo.